在2017年曾於愛上藝廊與藝術家溫孟瑜舉辦聯展《流漫陸離》，當時展出雕塑的作品可愛造型尤其令觀眾留下深刻印象。 本期專訪主角：崔永嬿，透過分享創作的路程與心境，將和我們分享她的藝術之道。
從無知走向未知：在做與學中培養創作直覺
自小一路以美術長才升學，一路保送甄試考進台北藝術大學美術系，猶記得那年正好是學校從「學院」轉為大學體系應屆，小時候的填鴨教育相對於藝術學習中不斷翻新的啟蒙思考，在大學裡五年的文化衝擊，崔永嬿認為鍛鍊專業不說，最重要的是在之中終於明白什麼是「思考」，和接應外在來自老師和同學不同狀態的衝撞，包括觀念藝術等等。但在大學畢業後雖然學有技藝，但因為還沒有明確的創作方向，加上台灣藝術市場低迷，當時的崔永嬿於是依著自己的 Know how 去給自己「生出」一條路：「當時我覺得自己無法創作，因為內在太空了。我需要充足內在和自我，才能從舊的主題中超脫出來」。離開了學校的藝術氛圍，崔永嬿在踏入社會的當下，即刻感受到學習藝術容易過度自苦、脫離現實，而終至疏離人群，因此特別想換個方式、角度去接近藝術，更接地氣而不只是內挖，而當時正好遇到朋友涉獵兒童文學，因緣際會進入出版社擔任設計，打開自己對繪本的認識、接觸了插畫，也意識到了即便都是視覺，但不同的內容都各有其專精。在這兩年的訓練中，不僅讓她培養了良好的平面設計能力，也開始懂得插畫的邏輯，看懂商品化、懂得銷售和行銷，平衡發展了不同技能間的互文關係 (intertextuality， 註一 )，同時更有自信。
2009年《蹬蹬腳尖兒馬戲劇團：一場非關職業的演出》是崔永嬿在台北的第一次個展，對她而言也是她所創造的這支馬戲團的出道。回想當時的靈感，是為參與故宮公仔設計投稿， 來回去了好幾次故宮搜集資料、聽館藏導覽，為的就是能夠把公仔設計的栩栩如生，比起單將文物擬人化來得更有深度、更有故事。在這個階段的創作時光，崔永嬿也意外和童年的自己相遇，想起在自己四歲就早逝的爸爸很愛看京劇，自己耳濡目染之下也成為劇迷，被京劇表演形式的精神、神韻深深吸引，這份重拾和父親連結的收穫，讓崔永嬿孕育出一系列的馬戲團員。同年在台北奔牛節活動，也立體化了此系列中的三件作品，成團十年，崔永嬿最獨鍾的角色始終是《雜耍兒》(2009)：用湯匙端球的逗趣表演員，喜歡它簡單的渾然天成、自然而然，在各方面呈現出來的訊息都剛剛好，而且崔永嬿認為這是在藝術創作中尤其難以拿捏的一種「直覺」，它是一個理想型的魄氣，會進化、會轉變，但身為作者，會知道哪一件作品之中，有做出這樣的直覺。
進入社會磨練了兩年、也展出了兩次個展，2010年崔永嬿感受到自己的創作精神總算逐漸集中，決定回到學校、找回藝術圈的人脈和資源，於是重返台北藝術大學修讀創作研究所，專心創作。從插畫展覽到開始做系列雕塑，崔永嬿慢慢回到藝術創作本位，重拾學生身份的決定也讓她為自己確認了很多事情，經過工作洗禮、社會化的調教，想法和發展方向也終於被梳理整齊，能夠在學校的資源、環境之中，更好的與同儕討論、吸收，也為自己孕育更飽滿豐實的創作能量。
回歸創作核心：成為真正的自己
在愛上藝廊的兩件館藏作品中，《Take Off》(2012) 是她回學校前一年，為了教授關於「俳句」所組織的在校交流聯展所創作，跟循著俳句的句型格律賦予三件雕塑不同顏色。另一件作品《吹一朵雲》(2014) 則是在研究所畢業後，為了2014年的個展《隱身術》所創作，難得跳脫以往非黑即白的表現形式，以不鏽鋼鑄造鍍鈦為材，以金銀兩色明亮、鏡射的表面，去投映物件與人物的虛化。崔永嬿坦言自己並不喜好以不鏽鋼拋光表現作品，因為反光程度不易掌握、過度操作容易陷入俗套，之所以反其道而行，選擇用不鏽鋼拋光就是因為故事是「吹一朵雲」：一種虛幻的意象，透過反光鏡射，崔永嬿希望潛在吸引觀眾，只要越接近越仔細看作品，越看到的其實都是自己。想去投射「人喜歡看到自己」這件事情。其實就是此系列作品在材質呈現有所不同的關鍵，但綜觀所有物件，只有「雲朵」是虛幻不可觸的，其他如金蛋、呼拉圈、喇叭等則都是真正實體物件。鏡面不鏽鋼可以承受環境反射， 以公仔的可愛吸睛去呈現主題，崔永嬿所捏塑出的一隻隻角色，看似和諧實則充滿衝突，就一如在京劇中的戲子們，掛滿全身的金銀衣帶準備演一身戲。
除了投射之外，崔永嬿對於自己的作品並不喜歡做太多贅述，在不同的地方、族群展出，有時得到的回應是作品很沈重、看了壓力很大，但一樣的作品有些人卻覺得可愛，而這些屬於個人的生命狀態顯現，這是媒材映射的收穫。
回到「創作」這個命題，崔永嬿認為創作是自己和自己之間的事情，當想要訴說的故事和經驗已經完整交付給作品，作品便完成了，也從此跟自己不再保持關係，而是一個獨立的個體：一如父母之於子女。藉由觀察觀眾的反應，她同時也發現更多自己身為創作者的不同面向，這個處在「超脫」的角色上旁觀作品與場域、觀者間的互動，並不是自己設定的原則也不是方法，而純粹只是一路創作所推向指示的結果：一切應然將至、自然而然。
從館藏作品的分享再次談及2017年在愛上藝廊聯展的展出， 崔永嬿對藝廊空間的氛圍、流動性尤其深刻。每次不管大、小展出，在不同空間條件下該如何去設置作品、拿捏、與共同展出藝術家的作品呼應，對崔永嬿來說都是新的挑戰，尤其雕塑作品是3D立體，和所有視覺藝術、空間的關係都很緊密，只要空間不同所回饋出來的氛圍就會不同，因此如何在空間裡回饋「感受」，始終是自己在選擇作品、思考布展形式的首要考量。當時在《流漫陸離》的聯展就特別帶了許多作品去現場調整，面對著展出空間與自己的立體作品，思考能如何和溫孟瑜的平面畫作有更好的互動、配搭，同時又能讓自己的系列自成一氣，在空間中形成一個獨立的精神環境，讓觀者能在之中自在遊蕩、感受。
轉換藝術的能量，認識自己的內在小孩
除了創作，崔永嬿同時也是三歲寶貝兒子的媽。和同樣是藝術家、一起創作公共藝術的先生兩人很有默契的互相接應，把家庭和創作的工作室分開，想盡可能多參與、陪伴孩子的成長。崔永嬿目前除了繼續從事藝術創作之外，大多仍以繪本出版為主，繪本主題全都扣緊「成長」的議題，而從中也可看見崔永嬿對弱勢族群如喜憨兒和過動兒的關懷。
作為一個「創作」的人，崔永嬿但願自己的創作都能是具有啟發性、教育意義、令人有感受的事情。在為人父母之後， 她尤其感受到如何「同理他人」是這個時代最重要的課題。 今日社會很多人沒有同理的能力，我們都被教育地很愛自己、太愛自己，陷入了一個自戀時代，每天都花很多時間在不滿他人沒有同理自己，但其實正是因為欠缺同理能力才會導致這個惡性循環，但關於如何同理他人，藉由繪本故事的魔力，崔永嬿透過故事和視覺，希望可以同時告訴孩子、大人們「同理」的重要，也讓他們在實踐中學習。
當然就連自己也不例外，在日常生活中，崔永嬿時常會從三歲小兒子妙語如珠的應答看見自己，驚覺自己偶爾還是會忘記「界線」、忘記人的個體性：成為一個人應該就像是做泥塑，堆土的過程是五感舒暢、極度療癒的，但送去翻模的時候則會無比焦慮，就像是父母栽培孩子、看著孩子長大開始創造自己的世界；但不管是之於自己或是孩子，崔永嬿都認為有良好的心理素質是最重要的，尤其從事創作工作，一定要有一把尺去穩住自己、知道自己的位置和強弱，要清楚自己是真心喜歡這件事情、清楚自己的能力在哪裡，隨時應變、調整，才能朝自己喜歡的方向繼續前行，成為小時候夢想成為的大人，自己真正喜歡的樣子。
註一：互文關係 ( 或稱互文性，intertextuality) 一詞由後結構主義學者 Julia Kristeva 於 1966 年提出，意指文本意義由其他文本所建構而成，通常用以說明作品內容引喻、受到他者啟發或影響。
